Programma

NDT 2

Dit programma van NDT 2 viert ons verleden en heden vol radicale keuzes en poëtische zeggingskracht. In Blast a universe herneemt NDT twee iconische werken uit het repertoire en presenteert een wereldpremière van choreograaf Noé Soulier. Sleepless - Jiří Kylián Dit beeldende werk is ontstaan uit Kyliáns reflectie op de vele slapeloze nachten die choreografen ervaren tijdens het maakproces van nieuw werk. “Het zou een interessant onderzoek zijn om alle slapeloze nachten en uren terug te rekenen en bij elkaar op te tellen...”, aldus Kylián. Ook werd hij geïnspireerd door de schilderijen van Argentijnse kunstenaar Lucio Fontana die met zijn werken door traditionele dimensies wist te breken en deuren opende naar het onbekende in kunst. In Sleepless onderzoekt Kylián het bewuste en onderbewuste in ons, met complexe duetten en verfijnde muzikaliteit; een viering van Kyliáns talent om de poëzie van het lichaam te laten spreken. Wereldpremière – Noé Soulier Na zijn NDT-debuut About Now (2023) is choreograaf Noé Soulier terug bij NDT voor een wereldpremière. Soulier benadert choreograferen als een bewegingsstudie: hoe beweging werkt, hoe het binnenkomt en hoe we het observeren. Soulier vertelt over zijn werkwijze: “Ik onderzoek hoe een enkel gebaar kan uitgroeien tot een grootse fysieke structuur.” Hiermee maakt hij de intelligentie van het lichaam belangrijker dan het vertellen van een specifiek verhaal. Met een combinatie van experimentele techno en natuurlijke geluiden van componist Sa Pa belooft dit nieuwe werk een prikkelende ervaring te worden die je ziet én voelt. The Big Crying – Marco Goecke Associate choreograaf Marco Goecke creëerde kort na het overlijden van zijn vader The Big Crying (2021); een van zijn meest persoonlijke en kwetsbare werken tot nu toe. “Het is een creatie over afscheid nemen en over alles wat we moeten verbranden,” aldus Goecke. Op muziek van Tori Amos ziet het publiek hoe de dansers bewegen als gebroken machines met Goeckes kenmerkende complexe en emotionele bewegingstaal. The Big Crying gaat over onze drang om te leven, zelfs in tijden van verdriet en verlies. Nederlands Dans Theater is trots om dit krachtige werk weer te mogen dansen.

Vanaf vandaag · 3 speeldata die passen

Jacobus Benning, Bo Oskamp

Dutch below bareskin (within/without) A body, six lives. The work moves through the liminal between life and death. Accompanied \\ shaped by conversations with people who each carry a different view of life, the performance asks what happens when we look at the one thing we all have in common, and have never seen. bareskin (within/without) is a continuation of an earlier work by young artists Jacobus Benning and Bo Oskamp, rooted in gelatine applied to the body. A second skin which initially provides shelter, but when hardened out becomes unbearably painful. A rebirth of the self. —---------\\\\\---- streams of thoughts from people who each carry their own stones and mouths full of sand ; who each stare into the endless nothing with a different blade in their hand covered in pig’s bones ;;; what is birth resulting into?what does protection mean if it imprisons you?pain over suffocation?when to breathe? the piece is a wet finger in the sky. our wet finger, obviously Concept: Jacobus Benning, Bo Oskamp | Audio: Jacobus Benning, Bo Oskamp | Techniek: Dominika Badyla | Fotografie: Beerend Honing | Trailer: Bo Oskamp (edit), Beerend Honing (beeld) bareskin (within/without) Eén lichaam, zes levens. Het werk beweegt zich op de grens van leven en dood. Opgenomen gesprekken als de basis. Iedere verteller met geheel eigen opvattingen over het bestaan. De voorstelling stelt een eenvoudige, maar onbeantwoordbare vraag: wat gebeurt er wanneer we ons richten op het enige wat ons allen verbindt, maar wat geen van ons ooit heeft kunnen aanschouwen? Gezamenlijk de blik op het (on)eindige. bareskin (within/without) bouwt voort op een eerder werk van de jonge kunstenaars Jacobus Benning en Bo Oskamp. Het lichaam wordt gehuld in een laag gelatine: een tweede huid, een omhulsel dat beschermt, maar zich langzaam tegen zijn drager keert. Wat eerst bescherming biedt wordt hard, trekt samen en maakt iedere beweging tot een kwelling. Losbreken uit een schil van een zelf aangebrachte scheidingslaag. Een wedergeboorte, wellicht.

Mati Elias

For English read below Een intense zoektocht naar jezelf en een transformerende reis vol angst, passie, humor en liefde. Bread Breath I Am – een experimentele solovoorstelling vol energie. Molly neemt het publiek mee in de emotionele en persoonlijke veranderingen in haar leven, aan de hand van het bakken van zuurdesembrood. Overlopend van gedachten en gevoelens deelt ze haar innerlijke wereld rechtstreeks met het publiek. Ze beweegt zich tussen het praktische proces van brood bakken en een rauwe, ongefilterde emotionele reis. Met humor, kwetsbaarheid en een absurde muzikaliteit ontvouwt Molly’s transformatie zich via onconventionele vertelvormen, beweging, gesproken en onuitgesproken woord en stem. Terwijl haar handen diep in het deeg zitten, creëert ze tegelijkertijd ruimte voor diepgaande reflectie en verbinding. De voorstelling is geïnspireerd op het alchemistische proces van brood bakken: een proces waarin ogenschijnlijk ongeordende ingrediënten samenkomen en uiteindelijk een harmonieus geheel vormen. Dit proces weerspiegelt Molly’s eigen ontwikkeling. De fermentatie, waarbij verschillende bacteriën naast elkaar bestaan, wordt een metafoor voor transformatie. Zo komen verschillende aspecten van verandering aan bod, zoals verschuivende waarden, onzekerheid, angst, maatschappelijke druk en de voortdurende zoektocht naar emotioneel en fysiek evenwicht. De maatschappij heeft ons geleerd de menopauze vanuit een negatief perspectief te bekijken, als een periode van instabiliteit en achteruitgang. Deze voorstelling neemt die transformatie terug in eigen handen en omarmt haar vanuit een vrouwelijk perspectief: als een periode van kracht, groei, wijsheid en creativiteit. Bio Mati Elias is een interdisciplinair kunstenaar uit Amsterdam, voormalig modern danser en choreograaf. Ze werkt op het snijvlak van performance, schrijven en beeldende kunst. Haar artistieke achtergrond ligt in de beeldende kunst, maar haar carrièrepad heeft zich ontwikkeld tot een veelzijdige, multidisciplinaire vorm. Via de moderne dans vond ze haar eigen stem. Meer dan tien jaar werkte ze als choreograaf en danser en presenteerde ze haar werk internationaal, onder meer in Amsterdam, Berlijn en New York. Haar werk werd ondersteund met culturele subsidies en bijdragen. Met het moederschap verschoof Mati's aandacht naar samenwerkingsgerichte, gemeenschaps- en educatieve kunstprojecten. Tijdens de pandemie keerde ze terug naar haar solopraktijk, waarmee ze haar passie voor performance en schrijven opnieuw aanwakkerde, waaronder de tekst voor deze solovoorstelling. Mati werkt met een interdisciplinaire vormentaal waarin ze beweging, theater en storytelling combineert. Zo creëert ze een intieme en onconventionele vorm van verhalen vertellen die de basis vormt van haar solopraktijk. Credits Grainne Delanay: dramaturg en schrijfcoach Uri Ivgi: presentatie Dit project wordt ondersteund door Combiwel Buurtwerk en het Amsterdams Fonds voor de Kunst (AFK). Deze voorstelling is in het Engels Over het Amsterdam Storytelling Festival Wanneer de dagen donkerder en kouder worden, dan is het tijd om samen te komen en onze harten te verwarmen met verhalen. Dit jaar nodigt The Amsterdam Storytelling Festival je uit de Ziener te ontmoeten - niet als toekomstvoorspeller, maar als iemand die waarheid hoort. Blind voor uiterlijkheden en afleidingen, merkt de Ziener op wat anderen over het hoofd zien en ziet wat met gewone ogen onzichtbaar blijft. Via voorstellingen, lezingen en workshops biedt het festival ruimte aan verhalen die het ongemakkelijke, onzichtbare en onbekende durven te verkennen. Van innerlijke werelden tot de grenzen van leven en dood, van visioenen tot verbeelding… onuitgesproken waarheden, dreigende rampen, geheimen achter maskers. De Ziener weet. Wie durft te luisteren? Het Amsterdam Storytelling Festival 2026 vindt plaats van 6 tot en met 15 november in Podium Mozaïek in Amsterdam. English A rigorous self-search and transformative journey filled with anxiety, passion, humour and love. Bread Breath I Am - an experimental, high-energy solo performance. Molly, leads the audience through emotional and personal changes in her life through the act of baking sourdough bread. Overflowing with thoughts and feelings, she shares her inner world directly with the audience. Moving between the practical process of baking and a raw, unfiltered emotional journey With humor, vulnerability, and absurd musicality, Molly’s transformation unfolds through unconventional storytelling; movement, (un)spoken word, and voice. Her hands are deep in dough, yet she creates space for profound reflection and connection. Drawing inspiration from the alchemical process of baking, which begins with the seemingly disordered combination of different ingredients and becomes a harmonious whole as the journey of Molly unfolds. The fermentation process, in which co-existing bacteria becomes a metaphor for transformation, highlights different aspects of this change, shifting values, uncertainty, anxiety, societal pressures, and the relentless search for emotional and physical balance. Society has convinced us to perceive menopause in a negative light, seeing it as unstable and a diminishing process. This performance reclaims and embraces this transformation through female vision as one of empowerment, growth, wisdom, and creativity. Bio Mati Elias is an Amsterdam-based interdisciplinary artist, former modern dancer and choreographer, working across performance, writing, and visual art. Her artistic background began in visual art, but her path has been multidisciplinary. Finding her voice in modern dance she spent over a decade working as a choreographer and dancer, presenting work internationally in cities such as Amsterdam, Berlin, and New York, supported by cultural grants and subsidies. With motherhood Mati shifted her focus toward collaborative, community and education Art projects. During the pandemic she returned to her solo performance practice, reigniting her passion for performing and writing, including the text for this solo work. Mati works with an interdisciplinary language, combining movement, theatre and storytelling to create an intimate and unconventional form of storytelling that shapes the concept of her solo practice. Credits Grainne Delanay: Dramaturg and writing coach Uri Ivgi: Presentation This project is supported by Combiwel Buurtwerk and AFK. About The Amsterdam Storytelling Festival 2026 When it gets dark and cold outside, it means one thing: it’s time to gather and warm our hearts with stories. This year, The Amsterdam Storytelling Festival invites you to meet The Seer. Not as a fortune teller, but as a listener of truth. Blind to appearances and distractions, The Seer notices what others overlook, seeing what cannot be seen with ordinary eyes. Through performances, talks, and workshops, the festival opens space for stories that dare to explore the uncomfortable, the unseen, and the unknown. From inner worlds to the edges of life and death, from visions to imagination… unspoken truths, looming disasters, secrets behind the masks. The Seer knows. Who dares to listen? The Amsterdam Storytelling Festival 2026 takes place on November 6–15 at Podium Mozaïek, Amsterdam.

Cheroney Pelupessy

Over dansvoorstelling Draagkracht Sommige vrouwen staan niet in de geschiedenisboeken. Ze kregen geen standbeelden, geen eretitels. Ze zorgden, wachtten, hielden vol. En toch is er iets van hen doorgegeven, van generatie op generatie, in de manier waarop je zorgt, verdraagt, verder gaat. Draagkracht gaat over haar. Over de vrouwen uit Indonesië, de Molukken en voormalig Nederlands-Indië die de geschiedenis droegen zonder dat de geschiedenis hen bij naam noemde. Vrouwen die zweeg en in die stilte iets bewaarden wat niet verloren mocht gaan. Die organiseerden, eisten, weigerden te verdwijnen. Die deuren openden die voor hen gesloten waren. Die hun leven riskeerden voor een wereld die hen nog niet erkende. Onmisbaar in tijden van oorlog, kolonisatie en verzet. Onbenoemd gebleven. Zeven dansers brengen een ode aan deze vrouwen op het podium. Met een beweeglijke, fysieke danstaal die put uit hedendaagse dans en traditionele Indonesische bewegingsvormen. Als erkenning. Het gewicht van generaties wordt voelbaar in het lichaam, zacht, gelaagd en krachtig. Het podium waarop deze vrouwen werkelijk centraal staan heeft lang nauwelijks bestaan. Nu mag het gezien worden. Je hoeft de geschiedenis niet te kennen om het te herkennen. Vrijdag 13 november - UP! Nagesprek Welk verhaal heb jij te delen? Bij de voorstelling Draagkracht op vrijdag 13 november is een nagesprek georganiseerd in samenwerking met UP! Deze organisatie brengt mensen op een persoonlijke, eigentijdse manier met elkaar in gesprek over belangrijke en zingevende thema’s die ertoe doen als je ouder wordt. In de voorstelling worden onvertelde verhalen over stilte, verzet en draagkracht van Indonesische, Molukse en Indische vrouwen tot leven gebracht. in het nagesprek gaan we dieper in op de vraag aan welke vrouw in jouw leven je een ode zou willen brengen? Wat heb je van haar geleerd? En wat wil je zelf doorgeven?

Rudi van Dantzig

Witte tutu’s, een meeslepend liefdesverhaal en ‘kippenvelmuziek’: geen productie staat meer symbool voor klassiek ballet dan Het Zwanenmeer. Honderdvijftig jaar nadat Pjotr Iljitsj Tsjaikovski zijn meesterwerk schreef, geldt nog steeds: dit is een ballet dat je gezien moet hebben. Toen Tsjaikovski in 1877 zijn iconische Zwanenmeer-muziek componeerde, was het geen succes. Pas in 1895 werd het stuk populair, dankzij de choreografie van Marius Petipa en Lev Ivanov. De bewaarde delen van deze choreografie worden sindsdien wereldwijd opgepakt en bewerkt. Ook door choreograaf Rudi van Dantzig, voormalig artistiek leider van Het Nationale Ballet, die in 1988, volgens een toonaangevende recensent, het ‘mooiste Zwanenmeer ooit’ creëerde. Rudi van Dantzig maakte een aangrijpend, menselijk ballet met een grote emotionele impact. Liefde en misleiding staan centraal. De witte zwaan Odette verbeeldt eenvoud en oprechtheid, de idealen van de jonge prins Siegfried. Hij zweert haar trouw maar laat zich toch verleiden door de zwarte zwaan Odile. Een beslissing waarmee hij niet alleen Odette verraadt en verliest, maar ook zijn eigen idealen. Met alle gevolgen van dien. Het Zwanenmeer van Van Dantzig is ook succesvol dankzij de bijdragen van multitalent Toer van Schayk. Hij choreografeerde de levendige volksdansen van de derde akte, die Odiles entree in vuur en vlam zetten. Ook liet hij zich voor zijn prachtige decors en imponerende kostuums inspireren door schilderijen van zeventiende-eeuwse kunstenaars. ‘Elk kostuum is een schitterend juweel op zich’, aldus de Volkskrant.

Vanaf zo 8 nov · 9 speeldata die passen

Antonio Amador

Met DESNUDA onthult María la Serrana de essentie van flamenco: rauw, doorleefd en onverbloemd. In een intens samenspel van dans, muziek en emotie toont zij haar innerlijke wereld, een ode aan overgave, traditie en de kracht van persoonlijke expressie. DESNUDA, wat “naakt” betekent, draait niet om fysieke onthulling, maar om innerlijke kwetsbaarheid. In de pure zigeunerstijl, rijk aan traditionele kostuums met grote sjaals en lange rokken, legt María haar ziel bloot. Zoals Farruquito haar ooit leerde: techniek is te trainen, maar het werkelijk raken van het publiek vraagt om volledige overgave. Die gelaagdheid groeit met de jaren en levenservaring, en juist daarin vindt María telkens nieuwe diepgang. In deze voorstelling verkent zij de stijlen die haar het meest dierbaar zijn: van de zwoele en fragiele zambra tot een swingende jaleo, een wanhopige en bijna woedende seguirya en een steeds intensere soleá. Ze wordt daarbij vergezeld door topartiesten uit Sevilla: danser Antonio Moreno ‘Polito’ (uit de Farruco-familie) als special guest, zangers Antonio Amador en Juan Fernández, en gitarist Luis Amador. Bij elke voorstelling sluit bovendien een lokale danseres aan. DESNUDA gaat op 4 juni 2026 in première in Sevilla en reist van 3 tot en met 18 november langs podia in Nederland, België, Duitsland en Ierland. Een avond flamenco die onder de huid kruipt, intens, eerlijk en onvergetelijk. Over María la Serrana Danseres María la Serrana staat bekend om haar authentieke flamenco, gekenmerkt door vinnig voetenwerk, diepe emotionele lading en ruimte voor improvisatie. Ze begon al op vijfjarige leeftijd met dansen en vond na een eerste liefde voor ballet haar ware vorm in de flamenco, een stijl die naadloos aansluit bij haar temperament, lichaam en ziel. María volgde lessen bij grootheden als Mathilde Coral, Manuela Carrasco en Adela Campallo, maar werd vooral gevormd door haar maestro Farruquito, die haar leerde dat ware expressie verder gaat dan techniek alleen. Naast haar podiumwerk is María de drijvende kracht achter het intieme flamencopodium Flamenco Esencia in de Sevilliaanse wijk Triana, waar zij optreedt als manager, gastvrouw en danseres.

SERIOOS

Wat doe je als het leven je naar de bodem trekt? In DIEP duikt SERIOOS er juist in. Met groove, kwetsbaarheid en krachtige overgave. DIEP is een voorstelling over de dieptes waar we bang voor zijn, en hoe ze ons betekenis geven. Diep verdrietig, diep gelukkig. Diep verliefd, of juist diep in de knoop. Gedreven door ritme, raps en emoties dompelen de drie danseressen zich onder in het onbekende. Ze graven, botsen en genieten. Ze voelen de druk van het duiken, maar laten zich overspoelen door sprankelende levenslust. Ze maken de enge diepte tastbaar. Soms confronterend, soms bevrijdend, maar altijd met een rauwe eerlijkheid die raakt. DIEP nodigt je uit om je eigen angsten onder ogen te komen, om los te laten en te ontdekken wat er onder de oppervlakte schuilt. Laat je meevoeren. Want DIEP, geeft zin!

Vanaf do 19 nov · 1 speeldatum die past

Lagaet Alin

Breaking crew The Ruggeds is hopeloos verslaafd aan Adrenaline. Het is wat hen vleugels geeft. Hun drijfveer is zo sterk dat ze constant de grenzen opzoeken van wat fysiek mogelijk is. Het is de energie die terugkomt van de drums waar ze op dansen - de breakbeat-ritmes die hen instinctief in beweging brengen. Wanneer die energie de overhand neemt, hangen The Ruggeds letterlijk in de lampen en zwaaien ze door het publiek. Adrenaline is een voorstelling vol risico, acrobatiek en spontaniteit waar je hart nog vele dagen sneller van zal kloppen. In Adrenaline komt het niveau van deze tweevoudig wereldkampioenen breaking naar voren en nemen The Ruggeds je mee je mee voorbij de spectaculaire moves, rechtstreeks de bewegingstaal van breaking in. Adrenaline is al meer dan 100 keer gespeeld, van New York tot Lowlands, van Zuid-Afrika tot China. Met deze reprise is de show nu nog één keer te bewonderen in de Nederlandse theaters.

Vanaf vr 20 nov · 1 speeldatum die past

Chou Renyu, Catarina Pinheiro Paiva & Polina Skarha, Eva Julia & Luc Voss

Dutch below Triplet Move What happens when the body no longer plays by the rules? Three pieces with performers open up worlds where the familiar unravels, boundaries shift, and the body continually transforms. LAGEN – by Eva Julia & Luc Voss LAGEN begins as an apparently perfect household tutorial until something beneath the surface starts to unravel. What follows is a physical and musical struggle between holding on and letting go, between protecting yourself and allowing yourself to be vulnerable. Layer by layer the core draws closer until emotions can no longer be suppressed. But how do you regain control? Performer: Eva Julia van Drimmelen | Sound design & live techno: Luc Voss | Photography: Mika Kraft Chou Renyu Performance Research - by Wenzhu Song Inspired by water as both refuge and threat, this performance explores female desire, disappearance, and belonging. Bearing traces of girls who disappeared before they could be seen during China's one kid policy and memories of growing up along the rainy coast, the work explores water as a space where violence and memory stay. Through moving images and physical transformation, she searches for another way of existing. "We hold each other Wild" - by Catarina Pinheiro Paiva & Polina Skarha The essence of femininity is a propelling force of dreams, a guide, like a blowing wind that dares us to open our wings. This piece is fertile ground for absorbing, perceiving and understanding one another intuitively, through touch. "We hold each other Wild" is a symbol of feminine nature, womanhood and empowerment. We need each other to awaken the wild within us. *** NL: Triplet Move Wat gebeurt er als het lichaam zich niet langer aan de regels houdt? Drie performances openen werelden waarin het vertrouwde ontspoort, grenzen verschuiven en het lichaam steeds opnieuw vorm krijgt. LAGEN – door Eva Julia & Luc Voss LAGEN begint als een ogenschijnlijk perfecte huishoudtutorial maar onder het oppervlak begint iets te wringen. Wat volgt is een fysieke en muzikale strijd tussen vasthouden en loslaten, tussen jezelf beschermen en je blootgeven. Laag voor laag komt de kern dichterbij waar emoties zich niet langer laten wegstoppen. Hoe vind je dan de weg terug naar controle? Performer: Eva Julia van Drimmelen | Sound design & live techno: Luc Voss | Photography: Mika Kraft Chou Renyu Performance Research - door Wenzhu Song In Chou Renyu onderzoekt de maker haar relatie met water, het vrouwelijk lichaam en het verstoppen, verdwijnen en terugvinden. Chou betekent ‘lelijk’, renyu ‘mens-vis’: een wezen dat nergens helemaal thuishoort. Vanuit herinneringen aan haar jeugd in het regenachtige Xiamen en verhalen over meisjes tijdens de eenkindpolitiek zoekt ze via beweging naar een ‘waterlichaam’. Een sokkel wordt emmer, snijplank en boot; zwemmen en drijven verplaatsen zich naar het land. "We hold each other Wild" - door Catarina Pinheiro Paiva and Polina Skarha Dit is een werk van de Portugese kunstenaar Catarina Pinheiro Paiva en de Oekraïense kunstenaar Polina Skarha. Het ging in 2025 in Amsterdam in première als een opbloei van de vriendschap van de dansers en hun drang om een betekenisvol werk te creëren over de verbinding van wezens, fysiek en spiritueel, met zichzelf en met anderen. Door middel van een eenvoudige en zorgzame bewegingstaal hopen wij dat dit stuk vele harten kan bereiken en vrouwen over de hele wereld kan inspireren.

Internationaal dansensemble Paloina brengt eind 2026 en begin 2027 de nieuwe voorstelling ‘Seizoenen’ naar het podium. Met folkloristische muziek en dans wordt het publiek meegenomen door de vier seizoenen van het jaar. Het jaar begint met een Roemeense nieuwjaarstraditie waarin een beer en een geit de hoofdrol spelen. De bruine beer staat voor het nare van het afgelopen jaar en wordt weggejaagd door de geit, die het nieuwe en het goede vertegenwoordigt. Maar terwijl de seizoenen verstrijken, blijven de wegen van de twee elkaar kruisen. Ze leren elkaar steeds beter kennen en er groeit langzaam een onverwachte vriendschap. ‘Seizoenen’ is vijf keer te zien in verschillende theaters en wordt live begeleid door het Paloina-orkest. Elk seizoen heeft een eigen muzikaal en choreografisch karakter. Zo is het Azerbeidzjaanse ‘Bahar’ in de lente te zien en staat in de zomer de Nederlandse dans ‘Lucht’ op het programma. Daarnaast gaan twee choreografieën in première: een Noord-Bulgaarse choreografie en een Roma-choreografie uit Transsylvanië.

Vanaf za 21 nov · 2 speeldata die passen

Dovilė Krutulytė

Like dancing reds beneath an avalanche. Ripping off open. Stomping, kicking, splitting, bending. Muscle memory. burn emotions loving and genuine, entangling and getting closer Ornament Ornament is a 45-minute contemporary dance solo work performed and choreographed by Dovilė Krutulytė. The composition consists of movement phrases and their variations set to an electronic music score. Dovilė Krutulytė Dovilė Krutulytė (b.1998, Alytus, Lithuania) studied at Trinity Laban Conservatoire of Music and Dance in London and graduated from the Expanded Contemporary Dance programme at the Academy of Theatre and Dance in Amsterdam in 2023. She works as a freelance dancer and choreographer. Choreography and performance: Dovilė Krutulytė | Music and sound curation: Clara Cozzolino | Costume design: Paulina Turauskaitė | Mentor: Suzy Blok | Artistic advice: Ana Glavaš | Production: Mia Malenica | Animation: Deimantė Krutulytė | Poster design: Deimantė Krutulytė and Jana Matošić | Communication: Federica Lovato Special thank you to my family, Radvilė Janušauskaitė, Titas Vyšniauskas, Ayala Pavo, Kalin Morrow, Roberta Maimone, Beatrice, Elisa Zuppini, Guoda Korsakaitė, Estelle Manuela, Cristina Mastori (Somanatomics), Berith Danse, and everyone who supported, inspired and believed. Ornament was made possible with funding from Amsterdams Fonds voor de Kunst and the Embassy of the Republic of Lithuania to the Kingdom of the Netherlands, with additional matchfunding support from het Cultuurfonds through Voordekunst.

Vanaf za 21 nov · 1 speeldatum die past

Een zinderende dansthriller vol lust, jaloezie en wraak

Na het succes van Swan Lake keert topchoreograaf Matthew Bourne terug naar Carré met zijn bekroonde dansvoorstelling The Car Man! Exclusief in Carré. In The Car Man geeft Bourne het klassieke verhaal van Carmen een eigentijdse en gedurfde lading. Dans en muziektheater komen samen in een zinderende thriller vol lust, jaloezie, verraad en wraak. De meeslepende muziek, geïnspireerd op Bizets wereldberoemde opera Carmen, voert de spanning verder op. Riemen vast! Bourne verplaatst het verhaal van het 19e-eeuwse Spanje naar een garage-diner in het Amerikaanse Middenwesten van de jaren 50. In een klein stadje worden dromen, verlangens en onderlinge verhoudingen op scherp gezet wanneer een knappe, mysterieuze vreemdeling verschijnt. Aangedreven door hitte en verlangen raken de inwoners verstrikt in een onstuitbare spiraal van hebzucht, lust, verraad en wraak. Matthew Bourne maakt van The Car Man een zinderende dansthriller waarin krachtige choreografie en een filmische stijl samenkomen. De gepassioneerde muziek van Terry Davies en Rodion Shchedrins Carmen Suite, gebaseerd op Bizets Carmen, versterkt de spanning van begin tot eind. De Pers 'Buckle up for the ride of your life. Gripping, Gasp-making, Edge of your seat stuff.' - ★★★★★ Daily Mail ‘A shatteringly good piece of storytelling. Terrific!' - ★★★★★ Observer ‘ A thrilling and seriously sexy sensation.' - ★★★★★ Daily Express OVER MATTHEW BOURNE Na Matthew Bourne’s Sleeping Beauty, Edward Scissorhands en Swan Lake keert de Britse topchoreograaf met dank aan het Carré Fonds terug naar Koninklijk Theater Carré. Als pleitbezorger voor diversiteit en inclusie in dans en kunst, wordt zijn werk gekenmerkt door een sterkte karakterontwikkeling, een filmische benadering van het vertellen van het verhaal, met focus op emotionele diepgang. Bourne staat bekend om het toevoegen van nieuwe dimensies aan universeel bekende verhalen. The Midnight Bell plaatst Patrick Hamiltons roman uit 1929 in een pub, terwijl zijn Romeo and Juliet thema’s als geestelijke gezondheid centraal stelt. Bourne is dan ook met stip de meest baanbrekende choreograaf van dit moment.